0

К сожалению, в Вашей корзине нет ни одного товара.

Купить книгу Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ Фролова Ю.В. и читать онлайн
Cкачать книгу издательства Феникс Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ (автор - Фролова Ю.В. в PDF

▲ Скачать PDF ▲
для ознакомления

Бесплатно скачать книгу издательства Феникс "Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ Фролова Ю.В." для ознакомления. The book can be ready to download as PDF.

Внимание! Если купить книгу (оплатить!) "Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ…" сегодня — в четверг (04.06.2020), то она будет отправлена в субботу (06.06.2020)
Сегодня Вы можете купить книгу со скидкой 14 руб. по специальной низкой цене.

Все отзывы (рецензии) на книгу

Оставьте свой отзыв, он будет первым. Спасибо.
> 5000 руб. – cкидка 5%
> 10000 руб. – cкидка 7%
> 20000 руб. – cкидка 10% БЕСПЛАТНАЯ ДОСТАВКА мелкооптовых заказов.
Тел. +7-928-622-87-04

Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ Фролова Ю.В.

awaiting...
Название книги Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ
ФИО автора
Год публикации 2020
Издательство Феникс
Раздел каталог Литература для музыкальных школ. Нотные издания
Серия книги Учеб. пособия для ДМШ
ISBN 978-5-222-32160-7
Артикул O0114371
Количество страниц 138 страниц
Тип переплета мяг.+лакировка*
Полиграфический формат издания 70*100/16
Вес книги 202 г
Книг в наличии 1853

Аннотация к книге "Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ" (Авт. Фролова Ю.В.)

Предлагаемое издание охватывает самые распространенные термины и понятия, встречающиеся в процессе школьного музыкального обучения. Оно знакомит с музыкальными инструментами, формами, жанрами, певческими голосами, раскрывает значение таких понятий, как гармония, мелодия, ритм, интонация и многие другие. Материал, изложенный в форме свободного доверительного рассказа, в интересной и увлекательной манере повествует о том или ином явлении, приоткрывая тайны и загадки музыкального искусства. Словарь станет верным другом и помощником для преподавателей, детей и их родителей, а также займет достойное место в домашней библиотеке любой семьи, воспитывающей в своих детях любовь к миру Музыки.

Читать книгу онлайн...

В целях ознакомления представлены отдельные главы и разделы издания, которые Вы можете прочитать онлайн прямо на нашем сайте, а также скачать и распечатать PDF-файл.

Способы доставки
Сроки отправки заказов
Способы оплаты

Другие книги автора Фролова Ю.В.


Другие книги серии "Учеб. пособия для ДМШ"


Другие книги раздела "Литература для музыкальных школ. Нотные издания"

Читать онлайн выдержки из книги "Музыкальный словарь: для учащихся ДМШ и ДШИ" (Авт. Фролова Ю.В.)

Учебные пособия для ДМШ
Ю.В. Фролова
МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛОВАРЬ
Для учащихся ДМШ и ДШИ
Ростов-на-Дону Феникс 2020
УДК 087.5:78
ББК 85.988
КТК 732
Ф91
Фролова Ю. В.
Ф91Музыкальный словарь : для учащихся ДМШ и ДШИ /
Ю. В. Фролова. — Ростов н/Д : Феникс, 2020. — 138 с.: ил. — (Учебные пособия для ДМШ)
ISBN 978-5-222-32160-7
Содержание
Аккорд7
Аккордеон8
Акустика8
Альт9
Ансамбль10
Аранжировка12
Ария12
Арфа13
Балалайка14
Балет15
Баллада17
Барабан18
Баян19
Валторна20
Вальс20
Вариации21
Виолончель22
Виртуоз23
Вокальная музыка24
Гармония25
Гитара26
Гобой27
Голоса28
Гомофония29
Гусли30
Деревянные духовые инструменты31
Джаз32
Динамические оттенки34
Дирижер35
Диссонанс36
Домра37
Духовная музыка38
Месса, реквием, литургия и всенощное бдение39
Духовой оркестр39
Духовые инструменты40
Дуэт41
Жанр42
Знаки альтерации44
Изобразительность в музыке45
Имитация46
Импровизация46
Инвенция47
Интервал48
Интермедия49
Интерпретация50
Интонация50
Камерная музыка52
Камерный оркестр53
Камертон54
Канон54
Кантата55
Капелла55
Кастаньеты56
Клавесин56
Клавикорд57
Клавишные инструменты58
Кларнет59
Ключи60
Колокольчики61
Композитор61
Компьютерная музыка62
Консонанс62
Контрабас63
Концерт63
Ксилофон65
Лейтмотив65
Либретто66
Литавры66
Мазурка67
Мандолина68
Марш68
Медные духовые инструменты69
Мелодия71
Менуэт71
Метроном72
Музыкальная форма73
Музыкальные инструменты74
Музыкальный стиль78
Мюзикл80
Н ародные инструменты81
Народные танцы82
Нотное письмо84
Опера
Оперетта
Оратория
Орган
Оркестр народных инструментов Оркестровые колокола
Оркестр
Партитура
Песня
Полифония97
Полонез98
Полька
98
Попурри99
Прелюдия99
Программная музыка100
Речитатив102
Ритм
102
Рок-опера103
Романс104
Рондо105
Рояль106
Саксофон106
Серенада107
Симфонический оркестр108
Симфония109
Скрипка111
Соната112
Сонатная форма113
Струнные инструменты114
Сюита116
Танцевальные жанры118
Темп119
Токката120
Тромбон121
Труба122
Туба122
Увертюра123
Ударные инструменты124
Фагот127
Флейта128
Фольклор129
Фортепиано130
Фуга132
Хор133
Челеста134
Экспромт135
Электронная музыка135
Этюд136
Язык музыки137
АККОРД. Это слово встречается в музыке очень часто. Например, музыканты говорят: «стройный хоровой аккорд» или «красивые аккордовые переливы арфы», «аккордовая вертикаль» или «аккордовое сопровождение». Во всех случаях подразумевается согласованное, а не беспорядочное сочетание звуков. Такое понимание определилось благодаря итальянскому слову accordo,в переводе означающему «согласие». Следовательно, в музыке аккордом называют соединение звуков разной высоты, объединяемых слухом в согласованное единство.
В музыкальной теории различают несколько видов аккордов. Самые распространенные из них — это аккорды, расположенные по терциям. Если они состоят из трех звуков, то называются трезвучиями, из четырех — септаккордами, из пяти — нонаккордами. В музыке широко используются и их обращения. Трезвучия имеют два обращения: секстаккорд и квартсекстаккорд, септаккорд — три обращения: квинтсекстаккорд, терцквартаккорд и секундак- корд. Нонаккорды используются в музыке лишь в основном виде. Аккорды терцовой структуры звучат слаженно и красиво, поэтому являются основой музыки уже на протяжении многих столетий.
В XX веке возникли аккорды, построенные по секундам: это так называемые кластеры. Они могут содержать более десяти, а то и двадцати расположенных подряд звуков. Резкие, может быть даже грубые, кластеры обладают огромным напряжением, поэтому чаще всего используются в кульминационных эпизодах.
Все аккорды по звучанию можно разделить на консонирующие и диссонирующие (см. Консонанс и Диссонанс}. Определяющую роль в этом играет интервальный состав аккорда: если он включает лишь консонирующие интервалы, то аккорд войдет в группу консонансов, если же в аккорде окажется хотя бы один диссонанс — его следует отнести к группе диссонансов. Сочетание в музыке консонирующих и диссонирующих аккордов составляет своеобразный «ритм» движения, основу музыкального развития.
АККОРДЕОН. Ни для кого не секрет, что аккордеон является частью большого семейства под названием народные инструменты. Красив и горделив он в сольном исполнительстве, полнозвучен и ярок в дуэтах, великолепен в оркестре баянистов и аккордеонистов, колоритен в эстрадных ансамблях. Его «близкие родственники» — баян, балалайка и домра — это инструменты русской традиции. И, наверное, вряд ли кто-то усомнится в том, что аккордеон к ним не относится. На самом же деле, основания для сомнения есть...
Аккордеон был изобретен в начале XIX века в Вене немецким мастером Кириллом Дамианом. Тогда он представлял собой самый незатейливый инструмент, имеющий всего несколько кнопок для левой и правой руки. Его называли также гармоникой, или гармошкой. Постепенно аккордеон совершенствовался: он обретал все новые и новые кнопки для игры полнозвучных аккордов и выразительных мелодий. При этом его название бережно сохранялось. В Европе и сегодня любой образец гармошечного типа музыканты называют аккордеоном.
В России же аккордеоном именуют инструмент, имеющий в правой руке не кнопки, а фортепианную клавиатуру. Кстати, такой тип гармоники впервые был сконструирован в середине XIX века именно в России — в Ельце. Его так и звали — елецкая, или рояльная, гармошка. Следовательно, утверждать лишь о «русских корнях» аккордеона не приходится. Этот инструмент объединил в своей истории умения и талант не только русских, но и западных музыкальных мастеров.
АКУСТИКА. Наверное, нет ни одного музыканта, который не мечтал бы выступить в хорошем концертном зале. И все дело здесь в акустике: ведь только настоящий, специально приспособленный зал станет верным помощником в формировании благородного звучания музыкальных инструментов и голосов! Например, звук гитары в домашней обстановке покажется пустым, в особенном зале — полнозвучным, голос вокалиста в простом помещении будет чрезмерно насыщенным, в хорошем же зале — красочным и выразительным.
Указанные особенности звучания инструментов и голосов изучает особая наука, которая называется музыкальной акустикой. Она исследует основные свойства музыкальных звуков — их высоту, громкость, длительность и тембр (см. Музыкальный звук). Анализирует она также материалы, из которых изготовляют музыкальные инструменты: какие породы деревьев или металлические сплавы лучше «звучат», насколько они могут быть использованы для обогащения тембровых красок инструментов.
А еще акустика изучает особенности «звучания» музыкальных помещений, ведь от их планировки и отделки зависит полетность, благородство и совершенство музыкального звука. О хороших залах говорят — «акустический зал», или «зал с хорошей акустикой». Недаром при строительстве оперных театров и концертных залов обязательно приглашают специалистов из отделов акустики, заставляющих даже самые «глухие» помещения откликнуться на красоту звучания музыкальных инструментов и голосов.
АЛЬТ. Согласно некоторым легендам, альт появился значительно раньше, чем скрипка. Произошло это еще в конце XV века. Однако судьба инструмента сразу не сложилась. Долгое время велись поиски наиболее оптимального его размера — удобного и для игры, и для одновременного удержания в руках.
Сегодня альт — это струнно- смычковый инструмент длиною в сорок два сантиметра. Такой массивный корпус инструмента подвластен далеко не всем исполнителям, а лишь обладающим крупными и сильными руками. Его струны настроены на квинту ниже скрипич
ных: это ля и ре первой октавы, соль и до малой октавы. Поскольку диапазон инструмента охватывает звуки от малой октавы и выше, то для удобства они йотируются в альтовом ключе (см. Ключи).
Инструмент часто называют «большой скрипкой», так как по
конструкции и звукоизвлечению они одинаковы. Однако с тембром — все по-иному. Альт имеет свой неповторимый грудной тембр, о котором еще в старину говорили, что он «трогает до слез».
Альт — не только оркестровый и ансамблевый инструмент, но и великолепный солист. Для него создано большое число произведений, в том числе концерты для альта с оркестром, сонаты для альта и фортепиано. Для выдающегося русского альтиста Ф. Дружинина свое последнее произведение — Сонату для альта и фортепиано — создал Д. Д. Шостакович. Сегодня признанным альтистом с мировым именем является Ю. Башмет.
АНСАМБЛЬ. С давних времен люди любили музицировать вместе — это не только доставляло удовольствие, но и воспитывало слух, внимание, умение играть согласованно и слаженно. Так возникло понятие ансамбля (в переводе с французского «вместе») — совместного исполнения музыки несколькими участниками. В зависимости от количества исполнителей ансамбли бывают разных видов. Например, различают дуэты — ансамбли из двух участников, трио или терцеты — из трех, квартеты — из четырех и т. д.
Примеры ансамблевого музицирования удивительно разнообразны, ведь любое сочетание разных тембров уже само по себе красочно и привлекательно. А если эти тембры «подходят» и дополняют друг друга, то получается уникальный ансамбль, достойный внимания композиторов и исполнителей! Именно красочное разнообразие побуждало музыкантов разных столетий искать наилучшие сочетания. Так родились ансамбли однородные, в которых звучат инструменты сходного тембра или вокальные голоса, например струнный квартет или вокальный ансамбль, а также разнородные, основанные на тембровых контрастах, — например дуэт флейты и фортепиано.
Ансамблевое музицирование вряд ли стало бы самостоятельной областью исполнительства, если бы не обширный репертуар, который начал складываться еще в XVII веке. Композиторы создавали самые разные произведения, пригодные к совместному музицированию, — инструментальные и вокальные дуэты, трио, квартеты и квинтеты. Сегодня репертуар для ансамблей разного рода поистине неисчерпаем! Так раскрывается иное толкование понятия ансамбля как музыкального произведения, написанного для небольшого состава исполнителей. Например, в старших классах музыкальной школы дети обязательно исполняют ансамблевые произведения — однородные либо разнородные.
И, наконец, понятие «ансамбль» имеет еще одно значение. Оно определяется характером ансамблирования: хорошо ли музыканты звучат вместе, чутко ли реагируют на изменения темпа, динамики, слаженно ли вступают. В этом смысле можно говорить, например, о хорошем ансамбле между виолончелистом и пианистом или плохом ансамблировании музыкантов в струнном квартете (см. Камерная музыка).
Трио. Наиболее распространенным ансамблем из трех исполнителей является так называемое фортепианное трио, включающее фортепиано, скрипку и виолончель. Его богатейшие выразительные возможности привлекали композиторов в разные времена. Среди наиболее ярких образцов — трио «Памяти великого артиста» П. Чайковского, «Элегическое трио» С. Рахманинова. Большое число сочинений написано также для струнного трио, в состав которого входят скрипка, альт и виолончель.
Квартет. В музыке встречаются самые разные ансамбли из четырех исполнителей, однако ведущим является струнный квартет. В него входят две скрипки, альт и виолончель. Такой состав охватывает практически весь звуковой диапазон, поэтому струнному квартету подвластна музыка самых широких выразительных возможностей. Здесь инструменты
могут выступать соло и аккомпанировать друг другу, вести мелодические линии и образовывать стройные аккорды. К жанру струнного квартета обращались композиторы самых разных эпох. Например, Й. Гайдном написано более восьмидесяти квартетов, Л. Бетховеном — шестнадцать, а Д. Шостаковичем — пятнадцать квартетов.
АРАНЖИРОВКА. Наверное, вам приходилось слышать оркестровые произведения, исполняемые на фортепиано в две или четыре руки? А фрагменты из опер, звучащие в исполнении голоса и фортепиано? Безусловно, да, ведь современную музыку вряд ли можно представить без аранжировки — особого искусства «переложения». Следовательно, под аранжировкой понимается переложение музыкальных произведений для исполнения их другим составом.
Один вид аранжировки — это переложение сложного произведения для более простого исполнения: например, оперной партитуры для игры на фортепиано. Такие переложения, часто называемые облегченными, широко применяются в учебной практике. Другой способ — наоборот: переложение простых мелодий для исполнения большими составами. Например красивая песня может аранжироваться для исполнения хором — тогда говорят о хоровой аранжировке, а популярная мелодия — для исполнения оркестром, тогда аранжировка будет оркестровой.
Иногда аранжировки выполняют сами композиторы, однако чаще всего их делают аранжировщики. Хорошо выполненная аранжировка — это настоящее искусство, ведь здесь мало просто «переложить». Здесь важно «дорисовать» музыкальный образ, высветить его новыми оттенками, сделать ярким и беспроигрышным. Поэтому в умении аранжировщика в равной мере важны и художественное чутье, и творческая фантазия, и композиторский Дар.
АРИЯ. Так называется законченный номер в опере или оратории, который исполняется одним певцом в сопровождении оркестра. Как правило, каждый из героев имеет одну или несколько арий. Различные по характеру, они рисуют музыкальный портрет героя, его настроение, чувства, отношение к происходящим событиям. В этом смысле ария близка песне, в которой также выражаются чувства и настроения. Неслучайно, в переводе с итальянского «ария» — это «песня».
Обычно в арии певец демонстрирует свои вокальные способности. В далекие времена это становилось чуть ли не главным элементом оперного действа: отдельные арии, особенно понравившиеся зрителям, многократно повторялись на бис. Действие спектакля при этом, конечно, останавливалось, зато публика получала истинное наслаждение! Самые известные и опытные певцы при этом никогда не повторяли арии одинаково, каждый раз приводя в восторг зрителей новыми украшениями, трелями, головокружительными пассажами и каденциями.
В операх можно встретить также номера под названием ариозо, ариетта или каватина. Ариеттами и ариозо принято называть небольшие арии (в переводе с итальянского arietta — маленькая ария). Каватинами же — первую арию, с которой герой выходит на сцену во время оперного спектакля, например каватина Антониды из оперы «Иван Сусанин» («Жизнь за царя») М. Глинки, либо большую развернутую арию, например каватина Князя из оперы «Русалка» А. Даргомыжского.
Наряду с оперными ариями в музыке встречаются и инструментальные арии. Их вы найдете, например, в клавирных сюитах И. С. Баха. В них композитор сохранил основные черты ариозного пения — кантиленную, широкую мелодию и певучее сопровождение.
АРФА. Это поющее название вы наверняка связываете с красавицей современного симфонического оркестра, всегда заметной благодаря своим крупным размерам и изящным формам. Такая арфа пришла в оркестр сто лет назад. История же ее происхождения насчитывает тысячелетия...
Арфа была известна еще с древнейших времен. Тогда она представляла собой изогнутую палку в виде лука, на которую натягивалась одна струна. Со временем на арфу научились натягивать до десяти струн различной длины. Во время игры ее держали в руках и перебирали струны пальцами. Едва ли не самое почетное место арфа занимала у египтян — ее изображения можно найти на фресках храмов и гробниц. Свой любимый инструмент египтяне отделывали золотом, слоновой костью, а подножие инструмента украшали рельефными фигурками.
Со временем корпус инструмента изменился, увеличилось количество струн, появились приспособления для усиления звука. Свой окончательный вид арфа обрела к XIX столетию. Количество ее струн — металлических и жильных — достигло сорока семи, а к вертикальной раме добавился педальный механизм для перестройки струн и извлечения всех звуков хроматического звукоряда.
Сегодня арфа используется как оркестровый и сольный инструмент. Благодаря широчайшему диапазону ей подвластны произведения любой сложности. Особенно хорош переливающийся тембр арфы для создания фантастических и сказочных образов, звукоизобразительных моментов и картин природы.
БАЛАЛАЙКА. Такое интересное название этот русский народный инструмент получил благодаря бренчанию, «балаканью» струн во время игры. Балалайка появилась в России в начале XVIII века. Тогда она имела узкую треугольную форму с очень длинным грифом и всего двумя струнами. Незатейливая игра на инструменте способствовала его быстрому распространению и широкой популярности. Неслучайно на балалайке играли практически все — от деревенских самоучек до серьезных придворных музыкантов.
В XIX веке балалайка уступила место другим народным инструментам и лишь в начале XX века обрела свое «второе» рождение. Оно связано с именем замечательного музыканта, собирателя старинных музыкальных инструментов Василия Андреева. Благодаря его стараниям балалайка была усовершенствована: мастер укоротил ее гриф, корпусу придал правильную треугольную форму, а количество струн увеличил до трех. На основе этого инструмента В. Андреев сконструировал целое семейство балалаек. В зависимости от размера и высотности звучания они получили разные названия — пикколо, прима, секунда, альт, бас и контрабас.
С этих пор началась концертная жизнь балалайки. Сегодня она выступает не только в составе оркестра русских народных инструментов, но и как сольный инструмент. На ней великолепно звучат русские народные наигрыши, произведения русской и зарубежной классики. Многие композиторы пишут для балалайки оригинальные сочинения, в том числе сложные концертные пьесы, сюиты и сонаты.
БАЛЕТ. Среди музыкальных театральных жанров балет считается самым древним. Его рождение относят к XV веку, когда в Италии и Франции начали образовываться первые танцевальные школы. Отсюда пошло и название жанра: французское слово balletпроисходит от итальянского ballare, что значит «танцевать». В те времена балет еще не был самостоятельным спектаклем, и балетные номера лишь составной частью входили в различные театральные представления. «Танец еще ждет своего гения!» — восклицали современники.
Величайшим гением-реформатором явился французский балетмейстер Ж. Ж. Новер. Он сум ел сломать устаревшие традиции, заставив «танец выражать страсти и движения души». Благодаря его усилиям в XVIII веке балет обрел совершенные черты и, наконец, утвердился как самостоятельный театральный жанр. В это же время сформировался специальный «язык танца», которым классический балет пользуется и в настоящее время.
Появление балета в России относится к XVIII веку. Балет здесь особенно ценился и пользовался государственной поддержкой: артисты получали специальное обучение и жалование, балетные спектакли хорошо оплачивались. Уже к концу XIX века в стране сложилась блестящая балетная школа, славившаяся во многих странах. Однако, несмотря на ее совершенство, сам балетный спектакль еще был далек от высоких идеалов. Не хватало главного — выразительной и яркой музыки, имеющей глубокое содержание. Назревала музыкальная реформа балета.
Многие композиторы, в том числе М. Глинка и Ж. Бизе, стремились к созданию яркой театральной музыки. Однако истинным реформатором явился П. И. Чайковский. «Балет — та же симфо- также andante cantabile —не спеша, певуче, allegro non troppo — не очень скоро, allegro appassionato — скоро и страстно. В ряде случаев в обозначении темпа можно увидеть некоторые названия жанров: например, в темпе вальса, менуэта или марша.
Связь темпа с характером и содержанием произведения проявляется и в ином. Нередко названием произведения или самостоятельной части становится название того или иного темпа, например Адажио из балета П. И. Чайковского «Спящая красавица» или «Анданте фавори» — «Любимое Анданте» Л. Бетховена.
Умеренные темпы
Быстрые темпы
Медленные темпы
ТОККАТА. Слово «токката» применяется в музыке с давних времен. Например, в XVI веке токкатой называли праздничную фанфару, в XVII веке — вступление к опере или балету. Со временем эти названия ушли в историю, и токкатой стали называть подвижную пьесу для клавесина или органа, имеющую импровизационный характер.
В токкатах главное место отводится беглой пальцевой технике, поэтому здесь аккордовые пассажи смело сменяются быстрыми октавными ходами, а мелкое мелодическое арпеджио — стремительными ритмическими фигурами. В переводе с итальянского toccataозначает «прикосновение», «удар». Великолепные органные токкаты созданы И. С. Бахом, фортепианные — Р. Шуманом, С. Прокофьевым, М. Равелем, К. Дебюсси, А. Хачатуряном.
ТРОМБОН. Название этого медного духового инструмента указывает на общее происхождение с трубой. И это действительно так, ведь в переводе с итальянского tromboneозначает «увеличенная труба». В далеком прошлом эти инструменты имели общих «предков», поэтому тромбон имеет сходную с трубой конструкцию. Он представляет собой такую же длинную изогнутую трубку, заканчивающуюся широким раструбом. Однако полного сходства здесь нет: инструмент имеет свою историю и свои особенности, чем существенно отличается не только от трубы, но и других представителей духовой группы.
Первые упоминания о тромбоне относятся к XV веку. В это время появилось сразу целое семейство тромбонов, обративших на себя внимание своей оригинальной конструкцией. Она заключалась в том, что звуки на инструменте извлекались не из отверстий и кнопок, а с помощью изящной скользящей кулисы, которая выдвигалась короткими движениями руки. Со временем тромбон был усовершенствован, но извлечение звуков с помощью кулисы осталось неизменным до сих пор.
Такой уникальный способ игры на тромбоне позволяет достичь небывалых эффектов. Во-первых, в отличие от других инструментов, здесь можно извлекать звуки с разницей не только в полтона, но и в четверть тона. Например, до-диез и ре-бемоль могут звучать на тромбоне по-разному. Во-вторых, благодаря скользящей кулисе на тромбоне можно исполнять красивые глиссандо — плавные и эффектные.
С XIX века тромбон прочно закрепился в симфоническом оркестре, а в XX веке расцвел как ансамблевый и сольный инструмент. Его главное образное амплуа — это музыка героического или мрачно-сурового характера. Однако тромбон умеет и «повеселиться». Красивые скользящие глиссандо и мельчайшие ходы, создающие юмористический эффект, активно применяются в джазовой и эстрадной музыке.
ТРУБА. Из всех медных духовых инструментов труба имеет, пожалуй, самые древние корни. Оркестры трубачей сопровождали церемонии в Древнем Египте, были популярны у древних римлян, о трубачах упоминается и в ранних русских летописях. В те далекие времена инструмент представлял собой изогнутую трубку, заканчивавшуюся небольшим раструбом. На нем можно было сыграть не более двенадцати различных звуков. В таком простом виде труба вошла в состав первых оркестров еще в начале XVII века.
Со временем конструкция трубы менялась, и свой окончательный вид труба обрела лишь к середине XIX столетия. В процессе совершенствования инструмент снабдили тремя специальными вентилями, благодаря которым стало возможным извлекать все звуки хроматического звукоряда.
Сегодня труба является ведущим мелодическим инструментом. Наряду с симфоническим оркестром, она играет важнейшую роль в духовом и джазовом составах. Труба является самой сильной по звучанию, поэтому используется в произведениях героического или торжественного характера. Для достижения же более мягкого и нежного тембра исполнитель вставляет в раструб инструмента специальный грушеобразный глушитель — сурдину. Благодаря ей звучание трубы обретает новые краски, в том числе и в джазовой музыке, и совершенно неожиданные: «квакающие», «фыркающие» и «рычащие».
ТУБА. Самый низкий по звучанию инструмент медной духовой группы туба является дальним родственником трубы. Это отражено в ее названии: в переводе с латинского tubaозначает «труба». Но в отличие от трубы инструмент представляет собой очень
крупную изогнутую трубку, постепенно расширяющуюся и заканчивающуюся весьма глубоким раструбом. Звуки на нем получаются благодаря нажатию вентилей.
Крупные размеры тубы дают возможность извлекать очень низкие звуки. В этом инструмент схож с «родственниками» других оркестровых групп — контрабасом и контрафаготом. Туба очень редко выступает как сольный инструмент, зато в оркестре она незаменима. Ее густой глубокий тембр способен создавать мощный «фундамент» — аккордовый бас. Нередко звуки тубы используются и в качестве выдержанных тонов —
так называемых педалей, способствующих образованию плотной звуковой массы.
УВЕРТЮРА. Слово «увертюра», заимствованное из французского языка, означает «открытие», «начало». С этим связывается его основное значение — открывать или подготавливать, т. е. являться вступлением к опере, балету, спектаклю или кинофильму.
Первые увертюры появились еще в XVII веке. Они предваряли оперный спектакль и представляли собой небольшую пьесу фанфарного характера. Со временем композиторы придали увертюре более серьезное значение. Великий оперный реформатор Кристоф Виллибальд Глюк писал о том, что увертюра должна являться своего рода предварительным рассказом, «конспектом» основных событий оперы и подготавливать слушателя к дальнейшему действию. Поэтому увертюры обрели значительные масштабы и стали строиться на важнейших музыкальных темах, как бы заранее «знакомя» слушателей с главными героями и событиями.
В XIX веке на смену развернутым увертюрам пришли более короткие, нередко называемые вступлениями, или интродукциями. В большинстве таких вступлений композиторы демонстрировали лишь важнейшие образы. Например, интродукцию к опере «Евгений Онегин» П. И. Чайковский полностью построил на музыкальных интонациях своей любимой героини Татьяны.
Слово «увертюра» используется в музыке еще в одном значении — как самостоятельное концертное произведение для симфонического оркестра. Первая подобная увертюра — «Сон в летнюю ночь» — была написана Ф. Мендельсоном в 1826 году. С тех пор композиторами создано большое число увертюр самого разного содержания. Среди них «Испанские увертюры» М. Глинки, «Осенью» Э. Грига, увертюры «Ромео и Джульетта» и «Гроза» П. И. Чайковского и др.
УДАРНЫЕ ИНСТРУМЕНТЫ. Бархатистая литавра и колючий ксилофон, громоподобный тамтам и звонкие колокольчики... Этот удивительный мир красок таит в себе одна из самых многочисленных групп современного оркестра — группа ударных инструментов. Все представители группы уникальны по своим причудливым размерам и форме, неповторимым тембрам и оттенкам. Однако при явном различии они объединяются одним общим свойством — все звуки извлекаются на инструментах с помощью удара. Это может быть удар деревянными или металлическими молоточками, удар рукой или пальцами. Именно этот способ извлечения звука и определил название всей группы.
Ударные инструменты считаются самыми старейшими на земле. В древние времена, примерно двадцать тысяч лет назад, человек научился извлекать звук ударом камня о камень или палкой по сухому стволу дерева. Именно так и возникли первые ударные инструменты. Позже люди приспособились делать инструменты из черепных и лопаточных костей животных, челюстей и бивней мамонтов, подходила для этих целей и кожа, натянутая на глиняные или деревянные предметы, вбитые в землю колышки, высушенные плоды. Многие из тех далеких инструментов не дошли до нашего времени, оставшись лишь в наскальных изображениях. Другие же, значительно усовершенствовавшись, заняли прочное место в оркестрах и ансамблях.
Описания многих ударных инструментов вы найдете на страницах: словаря. Теперь же познакомимся с их характеристиками. Первая из них связана с высотой извлекаемого звука. Если бы
ударные могли издавать только шумовые звуки, хоть и различных тембровых оттенков, то, наверное, этой группе отводилось бы весьма скромное место в ор
кестре. На самом же деле наоборот: композиторы не только дополняют звучание оркестра многоголосными тембрами ударной группы, но и зачастую пишут сочинения исключительно для нее!
Наверное, это скучно и невыразительно, подумаете вы и... ошибетесь.
Все дело в способности некоторых ударных издавать звуки разной высоты и наравне с другими инструментами оркестра исполнять мелодии практически любой сложности! Этими характеристиками обладают инструменты с так называемой определенной высотой звука. К ним относятся литавры, оркестровые колокола и колокольчики, а также инструменты с «фортепианной клавиатурой» — ксилофон, вибрафон и маримба. Партии таких инструментов всегда записываются на нотном стане подобно остальным инструментам оркестра.
Другие представители группы — тарелки, барабаны, тамтам, треугольник, кастаньеты, маракасы — имеют неопределенную высоту звука, поэтому призваны подчеркивать ритм либо участвовать в создании красочных и звукоизобразительных эффектов. Например, с помощью таких ударных можно изобразить громовые раскаты, приближающееся шествие, пушечные выстрелы и даже шум дождя. Партии инструментов с неопределенной высотой записываются особым образом — на одной линии, которая называется «ниткой». Поскольку высотность звуков здесь не нужна, на «нитке» выписывается лишь ритм.
Во-вторых, инструменты ударной группы следует различать по материалу, из которого они сделаны. Например, между тарелкой, треугольником и оркестровыми колоколами есть некоторое
Учебное пособие
Фролова Юлия Васильевна МУЗЫКАЛЬНЫЙ СЛОВАРЬ ДЛЯ УЧАЩИХСЯ ДМШ И ДШИ